Pia Sophie Ottes arbeitet als Galerie Managerin in Venedig. Wir sind gespannt, was sie zu den Werken unserer Teilnehmer sagt. An dieser Stelle wie immer ein großes Dankeschön!
Pias Top 5 zu den Themen „Body Love“ & „Nightmare“ aus Hamburg:
Schwarzwald
Für die Darstellung dieses dunklen Waldes wurde ausschließlich die Farbe Schwarz verwendet. Das Auge des Betrachters wird von einem spiegelnden Wasserstrom in ein tiefes schwarzes Nichts geleitet. Dieses Werk ist ein Schatten- und Lichtspiel, was den Betrachter anregt sich zu fragen, was wohl hinter dem dichten Gestrüpp liegt, wo wohl das Licht herkommt, dass durch die dunkeln Äste blitzt. Man möchte aus dem Albtraum erwachen und endlich wieder Farbe sehen.
Die Venus
Durch die Verwendung von Weiß auf Blau, ist es als sieht man weibliche Silhouetten auf Wolken tanzen. Diese Studie der weiblichen Formen zeigt eine Frau am vorderen rechten Bildrand, die sich scheinbar vor dem Betrachter rekelt und sich dann zum hinteren Bildrand von ihm entfernt, um ihm letztlich nur ihre wunderschön geformte Rückenansicht zu zeigen. Dabei sind die weiblichen Rundungen und fließenden Bewegungen sehr genau studiert und anschaulich dargestellt.
Shades of Grey
Dieses Werk ist in zwei Perspektiven unterteilt: Im rechten Vordergrund sieht man ein männliches Aktmodell, das mit Schwarz- und Grau-Tönen dargestellt wird und daher eher wie eine Kohlezeichnung als eine Acrylmalerei wirkt. Die linke Seite des Werkes zeigt eine Frauenfigur, die sich hinter einer Leinwand versteckt und unverkennbar von den maskulinen Formen des Mannes angetan ist. Die Frau ist jedoch räumlich entfernter und fast comic-artig gemalt. Die verschiedenen Maltechniken, die thematisch eine Relation zum Subjekt des Werkes aufweisen, wecken das Interesse des Betrachters.
Das Abstrakte
Umso länger man dieses Werk betrachtet, umso mehr kann man erkennen: Das Gesicht eines Mannes in der oberen mittleren Hälfte des Bildes, eine in schwarz gekleidete Frau, die ihn zu seiner Linken beobachtet, eine Straßenlaterne, die gleißendes Licht auf eine beregnete Straße wirft… oder einfach ein abstraktes Gemälde, dass mit Farben, Formen, Schatten und Licht spielt. Das Werk erinnert entfernt an eine frühe kubistische Phase von George Braque und lässt dem Betrachter viel Spielraum in der Deutung des Werkes.
Der Träumer
Dieses Werk zeigt einen Mann mit geschlossenen Augen umrundet von bunten Bändern, die sich in alle Richtungen winden. Der Hals des Mannes wirkt proportional zu lang, wie als sei er losgelöst vom Körper und gehalten und getragen nur durch die Farben, die Gedanken, die Träume. Durch die ausschließliche Verwendung von Blau und Weiß, erzielt der Künstler eine sehr plastische Darstellung des Mannes. Die Komposition erinnert sehr an das Werk Le Rêve (Der Traum) von Picasso, welches die schlafende Marie-Thérèse Walter in einer sehr ähnlichen Position und Farbkomposition zeigt. Die Technik ist jedoch eher der (italienischen) Pop-Art zuzuschreiben, an welcher sich Maler wie beispielsweise Mario Schifano bedienten.
Pia Sophie Ottes arbeitet als Galerie Managerin in Venedig. Wir sind gespannt, was sie zu den Werken unserer Teilnehmer sagt. An dieser Stelle wie immer ein großes Dankeschön!
Pias Top 4 zu den Themen „Blumen“ und „Passion“:
Rot
Die Farbe der Passion – Rot – wird in diesem Werk mit bewegten und groben Pinselstrichen auf die Leinwand aufgetragen. Gelbe und blaue Akzente schimmern hindurch, aber das Werk wird ausschließlich durch die Farbe Rot dominiert. Als Farbe der Liebe, des Feuers, des Körpers und des Blutes, löst sie im Menschen tiefe Gefühle aus – positiver wie negativer Natur.
Abstrakte Passion
Was ist Passion? Wie kann man Passion ausdrücken? Für den Künstler dieses Werkes gibt es keine figürliche Darstellung der Passion. Er bedient sich abstrakter Formen, die mit einander verschwimmen. Was entfernt an ein abstraktes Gesicht des Malers Jawlensky erinnert, könnte einen tanzenden Menschen darstellen, der seine Passion vollends in der Bewegung auslebt.
Rosarot
Der Hintergrund dieses Werkes ist eine Harmonische Verbindung von Rosa- und Gelbtönen, welche an Sonnenuntergänge erinnern lässt. Drei fliederartige Stauden schweben von rechts in das Bild wie blumige Luftballons an grünen Schnüren getragen.
Weinblumen
Die Künstlerin spielt in diesem Werk mit einer mehr-schichtigen Symbolik der Relation zwischen Wein und Blumen. Die Margeriten könnten einerseits für Glückseligkeit, Frohsinn und die schönen Dinge im Leben stehen – die Stimmungen und Gefühle, die aus dem Konsum von Wein hervorgehen. Andererseits sind die Blumen leicht rosa gefärbt, was darauf hindeuten könnte, dass sie voll-gesogen sind und daher ihre Farbe ändern. Beschwipste Blumen also, die durch den Konsum von Alkohol ihre Natur ändern – ganz wie der Mensch.
Pia Sophie Ottes arbeitet als Galerie Managerin in Venedig. Wir sind gespannt, was sie zu den Werken unserer Teilnehmer sagt. An dieser Stelle wie immer ein großes Dankeschön!
Pias Top 5 Bilder zum Thema „Meereslandschaft“:
Abstraktes Blau
Jackson Pollock meets Claude Monet – Das hier dargestellte abstrakte Umfeld aus blauen, weißen und schwarzen Pinselstrichen wurde mit verschiedenen Wischtechniken auf die Leinwand aufgetragen. Vereinzelt verwendete der Künstler Rot und Gelbtöne, dessen Interpretation jedoch dem Betrachter überlassen wird. Wie bei so vielen abstrakten Kunstwerken ist es auch hier schwierig auszumachen, was der Künstler darstellen möchte. Es könnte das Abbild eines schnell vorbeirauschenden Momentes sein und den Versuch diesen festzuhalten. Es könnte aber auch das verschwommene Leben unter Wasser darstellen.
Himmel und Erde
In diesem Werk trifft die Farbe Blau auf die Farbe Schwarz – der Himmel auf die Erde, Luft auf Materie. Getrennt werden die beiden Hälften durch einen weißen Zwischenraum, verbunden werden sie durch Schwarze und Blaue Linien. Das Gemälde lässt verschiedene Deutungen zu, die dem Betrachter überlassen werden. Man könnte jedoch vermuten, dass dieses Werk den Blick aus dem Weltall auf die Erde darstellt, auf den blauen Planeten, der von einer dicken Schicht aus Ozon und Wolken umgeben ist.
Seestern
Unter Verwendung von verwässerten Farben malt der Künstler mit schwungvollen Pinselstrichen einen Seestern umrundet von blauen Akzenten. Auch wenn der Künstler einen Großteil der Leinwand weiß belässt, ist das Werk sehr ausdrucksstark. Es ist nicht nur ein schönes Dekorationsobjekt, sondern erinnert auch an Arbeiten auf Papier von Mario Schifano oder Illustrationen des Designers Stig Lindberg.
Meereswelt
Das Hauptaugenmerk fällt sofort auf die Qualle, die der Künstler sehr detailgetreu darstellt. Durch die Verwendung von weißen Akzenten fügt der Künstler der farbenfroh illustrierten Unterwasserwelt eine gewisse Plastizität hinzu. Die Wasserpflanzen scheinen sich unbeschwert mit der Strömung des Wassers zu bewegen, während aus dem Nichts Wasserblasen aufsteigen. Einzig allein ein gelber Fisch, der von der linken Seite in das Bild schwimmt, wurde mit weniger Sorgfalt und Detail gemalt.
Koralle
Nicht nur auf Grund der leuchtenden Farbe Rot, sondern auch durch die reliefartige Struktur, zieht die Koralle die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich. Sowohl die Koralle, als auch der Felsen an dem sie sich festhält, wurden mit Hilfe einer Impasto Technik auf die Leinwand aufgetragen. Der Betrachter kann die Pinselführung, die Geschwindigkeit und die Stärke des Farbauftrags erkennen, welches dem Bild Kraft und Dynamik verschafft. Die Unterwasserszene wirkt durch die verwendete Maltechnik wahrhaft und lebendig.
Pia Sophie Ottes arbeitet als Galerie Managerin in Venedig. Wir sind gespannt, was sie zu den Werken unserer Teilnehmer sagt. An dieser Stelle wie immer ein großes Dankeschön!
Das Thema „Dschungel“ bestimmte den Abend vom 10. Oktober 2019. Wir sind gespannt was dabei herauskam. Hier die Top 5:
Drei Raben
Die Künstlerin verwendet in diesem Werk ausschließlich Grüntöne, um eine dichte Baumkrone darzustellen. Das Blattwerk ist abstrakt aber sehr vielschichtig gemalt, was dem Betrachter das Gefühl gibt, im Gestrüpp zu versinken. Einzig und allein drei schwarze Löcher sind zwischen den Blättern zu erkennen, die durch drei gelben Schnabel-Formen auf Vögel zurück schließen lassen. Diese sitzen eng aneinander gerückt zusammen und blicken in Richtung des Betrachters, als würden sie diesen genauestens beobachten.
Dschungel
Mit einem schwungvollen Pinselstrich stellt die Künstlerin eine Dschungelszene dar, die den Betrachter an einen Waldrand mit Blick aufeinen Sonnenuntergang stellt. Man hat das Gefühl, aus einem dichten und dunklen Gestrüpp endlich und nach langer Zeit das Licht zu erblicken. Die Künstlerin bedient sich der luftperspektivischen Technik durch die Verwendung von dunkeln Farben im Vordergrund und hellen Gelbtönen im Hintergrund und kreiert damit die Tiefe und den dreidimensionalen Raum der Urwaldszene.
Sex and the city
„Jungle of F…“ – Ein Schriftzug, der in der oberen rechte Ecke platziert ist, weist bereits auf das Spiel der Symbolik hin, mit dem der Künstler in diesem Werk arbeitet. Der Frankfurter Dschungel zeigt drei Hochhäuser, die von tropischen Pflanzen umrankt sind. Im Vordergrund ist die im Gras liegende Silhouette einer nackten Frau zu sehen, dessen Gesicht vom Maler ausgelassen wurde. Soll dies vielleicht Giorgione und Tizian’s Schlummernde Venus der Zeitgenössischen darstellen? Der Künstler beschäftigt sich in diesem Werk mit Themen wie Sexualität im Kapitalismus und was der Großstadtdschungel noch mit Körperlichkeit zu tun hat.
Farbenfroher Urwald
Dieses Werk zeigt einen harmonischen Einklang von Farbe. Exotisches Blattwerk und eine Explosion von Gelb, Orange und Rottönen lassen auf den Urwald schließen. Die Farbe ist sehr plastisch aufgetragen, Grüne und orangene Tropfen mit einer Spiegelung versehen. Dadurch wirkt das Werk lebendig und greifbar.
Die Frau mit den drei Gesichtern
Luft, Erde, Ozean. Die Dreifaltigkeit. Trinität. Alle guten Dinge sind… – Dieses Werk beschäftigt sich mit der Zahl Drei und dessen Bedeutung. Die Künstlerin stellt eine Person mit drei Gesichtern dar, welche in unterschiedliche Richtungen blicken. Es ist unklar, ob dies drei verschiedene Personen sind oder ob die Künstlerin hiermit eine Teilung der Persönlichkeit und Charakterzüge aufzeigen möchte. Der Orange-Schwarz-gefleckte Schatten, der auf zwei der Gesichter fällt, könnte einen Bezug zum Leoparden darstellen und damit auf die „wilde“ Natur der Person zurückzuführen sein.
Pia Sophie Ottes arbeitet als Galerie Managerin in Venedig. Wir sind gespannt, was sie zu den Werken unserer Teilnehmer sagt. An dieser Stelle wie immer ein großes Dankeschön!
Die Werke sind in der
Reihenfolge meiner Bewertung beschrieben.
***** Living room Lookout
Dieses Werk versetzt den Betrachter in ein dunkles Wohnzimmer. Der Fokus fällt auf das Fenster, welches die einzige Lichtquelle dieser Szene ist. Man schaut aus dem Dunklen heraus in die leuchtend grüne Natur, ähnlich wie auf das Licht am Ende des Tunnels. Viele bekannte Künstler haben mit dem eigenen Zuhause als Subjekt gearbeitet, wie beispielsweise Vincent Van Gogh, Wassily Kandinsky oder Grant Wood. In diesem Werk scheint der Künstler jedoch den Fokus auf die Außenwelt zu lenken – auf das, was vor den Fenster passiert. Daher strahlt das Werk eine gewisse Form der Sehnsucht, des Verlangens nach Positivität und Aufbruch aus.
**** Schneidersitz
Eine Frau, dessen
Identität nicht bekannt gegeben wird, indem ihr Kopf nicht gemalt wurde, sitzt
im Schneidersitz auf einer Grünfläche. Die Position, welche die Frau einnimmt,
erinnert sehr an die Darstellung der Frauen in Scherenschnitten und Aktgemälden
von Henri Matisse. Durch das Auftragen der Farbe in einer pointilistisch-artigen
Technik entsteht eine sehr plastische Darstellung, welche die Farbwahl eines
kräftigen Oranges unterstreicht.
*** Die Planeten
Der Hintergrund zeigt ein verwaschenes Universum von Blau- und Violett-Tönen. Der Fokus des Betrachters liegt auf vier Planeten, die sich an einer imaginären, gebogenen Linie aufreihen. Der Künstler bedient sich der perspektivischen Darstellung, indem er die Planeten immer kleiner werden lässt, was den Anschein macht, dass einer vor dem andere schwebt. Durch die Verwendung von Schwarz und dunklen Farbtönen, erzielt der Künstler realitätsgenaue Schatten, die dem Werk eine gewisse Plastizität verleihen.
** Money makes the world go round
Diese abstrakte Komposition ist im Grafiti-Stil auf die weiße Leinwand gemalt und lässt auf verschiedene Symbole hindeuten, wie etwa das Dollar Zeichen oder das Bullseye. Letzteres steht bekanntlich für die goldene Mitte einer Zielscheibe. Andererseits könnte man dieses Symbol auch als das Nazar Boncugu (Türkisches Auge) deuten, das Symbol der Sicherheit. Das Doller Zeichen wiederum steht bekanntlich für den Kapitalismus, Weltwirtschaft und Konsum. Womöglich hat der Künstler den Betrachter anregen wollen, sich über die aktuellen Weltmarkt-Geschehnisse Gedanken zu machen, und sich zu fragen, ob man sich bezüglich der Stabilität und finanziellen Aufstellung des Marktes in Sicherheit wiegen kann, oder auf Lang oder Kurz zum nächsten Target wird.
* Die Welle surfen
Dieses Werk zeigt eine Schwarze Figur, die auf einer Welle zu reiten oder zu tanzen scheint. Im Hintergrund geht die Sonne unter. Die Umgebung ist sehr abstrakt und fließend gemalt – naheliegend zu beschreiben als ein kindliches Auftragen von intensiven Farben. Die Darstellung der Bewegung der Figur, die dem Betrachter gegenüber anonym bleibt, ist jedoch unter genauer Beobachtung des menschlichen Verhaltens gemalt und strahlt eine gewisse Form des Glücklichseins aus.
Pia Sophie Ottes arbeitet als Galerie Managerin in Venedig. Wir sind gespannt, was sie zu den Werken unserer Teilnehmer sagt. An dieser Stelle schon mal ein großes Dankeschön!
Einhorn:
Dieses Werk zeigt ein glückliches Einhorn – ein Fabelwesen, welches durch den dominanten Gebrauch der Farben Rot und Blau verspielt und fantastisch wirkt. Das Werk ist jedoch eindimensional und ohne Verwendung von Perspektive gemalt, was zu einer fehlenden Plastischen Wirkung des Tieres führt. Es ist das perfekte Geschenk für das Kinderzimmer eines kleinen Mädchens.
Schwarze Häuser:
Eine schwarze Silhouette zweier spitzer Dreiecke platziert auf einem Rechteck vor rotem Untergrund lässt dem Betrachter die Freiheit zu interpretieren, für was diese schwarzen Formen stehen sollen – ein Haus, zwei Tannen, der Kölner Dom. Die schwarze Farbe ist jedoch nicht deckend aufgetragen, was vermuten lässt, dass das Werk noch nicht ganz fertiggestellt wurde. Der Künstler hat es jedoch bereits signiert, welches ein wichtiges Element zur Wiedererkennung und Wertschätzung eines Gemäldes ist.
**Zitronen Stillleben:
Dieses Gemälde zeigt die naturgetreue Abbildung von Zitrusfrüchten auf verwaschenem blauen Untergrund. Ein angedeuteter Schatten am äußeren Rand der Früchte lässt sie plastisch und real wirken. Einzig die aufgeschnittene Zitrone ist perspektivisch nicht korrekt dargestellt. Der Künstler hat die Farbe in strich-artiger Bewegung aufgetragen, was dem Werk Lebendigkeit und Bewegung verleiht. Mit diesen frischen Farben ist das Werk ist ein schönes Dekorationsobjekt für jedes zuhause.
Der Wasserfall:
Dieses Gemälde zeigt eine Aufnahme eines Wasserfalls, der zwischen zwei Bäumen in die Tiefe stürzt. Unter dominanter Verwendung von Blau, Grün und Braun wurde hier das gemalt, was dem Künstler womöglich nahe liegt: die Natur. Der Künstler verwendet jedoch keine Schatten oder perspektivische Darstellung, was das Werk eindimensional erscheinen lässt.
**Das Blaue:
Das Werk zeigt eine abstrakte Komposition, die an blaue Werke von Ives Klein oder eine Detailaufnahme von Monet’s Seerosenteich erinnert. Das Blaue lässt dem Betrachter die Freiheit, sich darunter den Himmel, die Luft, das Wasser vorzustellen und symbolisiert damit unendliche Weite, Sehnsucht und Phantasie. Es ist außerdem nachgewiesen, dass die Farbe Blau entspannend wirkt und das Denken fördert.
Dunkler Sonnenuntergang:
Das Werk zeigt einen dramatischen Sonnenuntergang, welcher einzig durch die Farben Gelb, Rot und Schwarz gemalt wurde. Ein schönes Detail sind die vier Vögel, die in den Sonnenuntergang hinein zu schweben scheinen. Auch wenn die Schattenspiegelung der zwei Landzungen im Wasser etwas Tiefe verleiht, wirkt das Werk dennoch sehr eindimensional.
Krieg:
Dieses Werk beschäftigt sich mit einem sozialkritischen und politischem Thema: Dem Krieg, der Verwüstung, der Zerstörung des Planeten durch die Hand des Menschen. Die Acrylfarbe ist jedoch nicht deckend auf der Leinwand aufgetragen und verleiht dem Werk daher eine unfertige Erscheinung.
Rainbow Lion:
Den Haarkranz des Löwen als regenbogenartige Vermischung von Farben darzustellen, gibt den Betrachter das Gefühl zu Träumen. Das Gesicht des Löwen ist naturgetreu illustriert. Man muss sich jedoch der Fantasie bedienen, um sich einen bunten Löwen in der Savanne in Afrika vorzustellen.
***Toskana:
Das Werk lässt auf eine Inspiration von Van Gogh schließen, auch wen hier der Pointilismus nicht angewendet wird. Die Farbwahl, die Form der gleißenden Sonne sowie das Platzieren von Zypressen lassen auf einen heißen Sommernachmittag in der Toskana schließen. Die helle Landschaft im Hintergrund verleiht dem Werk Weite und Tiefe, während die Perspektive am unteren Ende des Werkes den Betrachter mit in das Werk holt und auf einem Wegrand platziert.
Schwarzes Loch:
Die schwarze Leinwand fungiert als Bühne, auf der sie feine Bewegungen der Sterne in Weiß, Gelb und hellen Blautönen zeigt. Diese sind mit kleinen Punkten auf die Leinwand aufgetragen, welche damit dem Werk eine gewisse Raffinesse verleihen. Dieses Gemälde zeigt die Abbildung eines schwarzen Loches – eine Interpretation dessen, was die Wissenschaft bereits erforscht, für die menschliche Vorstellung jedoch immer noch weit weg liegt.
Weltall:
The fading starlight is presented very beautifully, using shades of green and white to create an illusion of a galaxy. The black colour which has been used for the canvas lures its viewer into a deep conversation between life on earth and in space. (Victoria Miro)
Rote Strasse:
Dieses Werk ist dem Minimalismus zuzuschreiben und erinnert an die Colour Field Werke des amerikanischen Künstlers Ellsworth Kelly. In dieser Komposition stößt eine geometrische Fläche mit intensiver Farbgebung, mit harten und scharfen Konturen, auf zwei triangolare Blaue Flächen, die das Werk begrenzen. Damit wird die monochrome rote Farbform zu einem eigenständigen Gemälde.
Goldener Sonnenuntergang:
Mit intensiven Farben wurde hier eine Sonnenuntergangsszene am Strand gemalt. Der Pinselstrich ist grob und lässt die aufgetragenen Farben daher nicht mit einander verschwimmen. Dies kreiert Plastizität und Lebendigkeit. Die Farben, Formen und Spiegelungen sind überspitzt dargestellt, was dem Werk eine abstrakte Note verleiht und die Visualisierung von geometrischen Formen anregt.
Qualle:
Für die Illustration einer Qualle hat die Künstlerin die Farben Rosa, Rot und Violett verwendet. Die Farben sind sehr verwässert und platzieren die Qualle damit in ihrem natürlichen Habitat – dem Wasser. Sie ist umrundet von einem dunkeln Rahmen, dessen Ränder auch durch die Zugabe von Wasser in der Acrylfarbe wie verwaschen wirken. Die Leinwand wurde vorwiegend weiß gelassen, was den Fokus auf das Meerestier lenkt.
Wald:
Ein dichter Wald wurde hier mit verschiedenen Grüntönen gemalt. Der Boden des Waldes ist bedeckt mit rotem Laub oder auch roten Blumen, und im blauen Himmel schwirren ein paar wenige Wolken. Die Künstlerin hat dieses Werk in drei Teile geteilt – der Himmel, die Pflanzen, die Erde. Wie etwa Van Gogh, Rousseau oder Corot, setzt die Künstlerin sich mit der Natur auseinander, Wäldern, die es in unseren heuten Zeit immer weniger gibt, vielleicht sogar mit der eigenen Heimat.
Berglandschaft mit Fluss:
Ein azurblauer Fluss fließt durch eine nacht-schwarze Berglandschaft. Das Profil eines Menschen schaut von rechts in die Landschaft herein. Im Hintergrund geht die Sonne über den Berggipfeln unter und taucht die gesamte Szene in ein Blutorange. Das Werk erinnert sehr an die Landschaftsgemälde von Alexej von Jawlensky. Unter Verwendung von kräftigen Farben wurde hier im expressionistischen Stil eine semi-abstrakte Landschaftsszene geschaffen, die den Betrachter einlädt sich zu fragen, welche Welt sich wohl hinter den Bergen auftun mag.
Sonnenball:
Mit verschiedenen Farben, dominanten Orange- und Violettönen, wurde ein Strudel gemalt, der sehr an gleißende oder sich spiegelnde Sonne erinnert. Die Wirbel bewegen sich zu einem zentralen Punkt an der rechten unteren Ecke des Bildes. Durch die Vermischung der Farben entsteht ein Grauton, der die Buntfarben als Symbol der göttlichen Offenbarung und Schöpfung für den Betrachter auf der Leinwand nachvollziehbar werden lässt.
Vulkan:
Dieses Bild zeigt einen ausbrechenden Vulkan vor einem gelben Himmel. Im Hintergrund sind weitere Berge in Blautönen gemalt, welche sich der farbplastischen Wirkung der Objektfarben bedienen und dem Werk damit Tiefe verleihen. Einzig die Sonne ist wenig plastisch und einfach dargestellt.
Grünland:
Dieses Werk zeigt eine grüne, eindimensionale Landschaft, die durch einen Fluss durchkreuzt wird. Wie in beispielsweise Milton Avery’s Werken, legt der Künstler Wert auf die Differenzierung der einzelnen Pflanzen und versucht, ein realitätsgetreues Abbild der Natur zu schaffen. Die untergehende Sonne ist in sehr schönen Farbtönen gelungen.
Baum:
Ein Blattloser Baum schlägt im rot-orangenen Boden Wurzeln. Dieses Bild lässt auf den Übergang zwischen Herbst und Winter schließen. Der Baum hat nur zwei Hauptäste, von denen kleinere Verzweigungen abgehen. Seine Baumkrone ist grösser als das Wurzelnetzwerk dargestellt. Der Künstler könnte damit hervorheben wollen, dass dem äußeren Schein immer mehr Wichtigkeit zugemessen wird, als dessen, was nicht zu sehen ist, was sich unter dem Grund befindet jedoch womöglich viel wichtiger ist – wie etwa die Wurzeln einer Pflanze. Der Hintergrund ist leer, und zieht daher die Aufmerksam einzig auf den Baum und dessen künstlerische Bedeutung von Leben, Wachstum und die Synthese zwischen Himmel und Erde.
